Die 20 unvergesslichsten Filmszenen, die auf der Autofahrt spielen

Da die Technologie das Anschauen von Filmen immer mehr zu einem einsamen, sogar einsamen Erlebnis macht, ist es an der Zeit, einen Blick zurück auf eine Zeit zu werfen, in der der Kinobesuch am geselligsten war. Das allererste Autokino wurde am 6. Juni 1933 in New Jersey eröffnet. Es richtete sich an ein Amerika, das die Auto- und Filmkultur gleichermaßen schnell annahm und Hollywood auf die größtmögliche Leinwand direkt unter freiem Himmel präsentierte.

Das sowohl gemeinschaftliche als auch intime Drive-in-Erlebnis bot jungen Liebenden eine Oase der Privatsphäre, mit Legenden über Drive-in-Babys, die durch flackernde Bilder gezeugt wurden, die man halb durch beschlagene Fenster erblickte. Mit ihren komplexen Themen und düsteren Stillen waren Autokinos kaum der richtige Ort für Kunstfilme, aber sie wurden zu einem Zufluchtsort für B-Pictures, deren Exploitation-Elemente und greller Nervenkitzel zunehmend das Autokino-Publikum anlockten, das lautstark Spaß hatte. Natürlich begannen die Filme selbst, diese Drive-in-Welt auf der Leinwand widerzuspiegeln, wobei einige der denkwürdigsten Kinosequenzen (oder sogar ganze Filme) inmitten von Großbild-Annäherungen an die knutschenden, Popcorn fressenden und Koffer stopfenden Menschenmengen angesiedelt waren, die sich versammelt hatten schauen.

Im Folgenden stellen wir Ihnen die 20 unvergesslichsten Filmszenen vor, die im Autokino spielen.

„Angriff des Puppenvolkes“ (1958)

Geben Sie es dem berühmten Schlockmeister-Produzenten und Regisseur Bert I Gordon für seine Chuzpe und Sparsamkeit. Wenn der Handlungsreisende John Agar seine beste Freundin June Kenney zum Date-Abend ins Autokino mitnimmt, dann, um sich Gordons Opus „The Amazing Colossal Man“ aus dem Jahr 1957 anzusehen, in dem es um einen GI geht, dessen Enthüllung durch eine Atombombe dazu führt, dass er richtig, richtig groß wird. Gordon, der noch nie einen Menschen gesehen hat, dessen Größe er nicht auf die eine oder andere Weise verändern wollte, erhält auch Punkte für seine Vorahnung und Ironie, da es letztendlich das Schicksal dieser beiden Turteltauben ist, mit Kenneys verrücktem Wissenschaftler-Chef in Konflikt zu geraten, der schrumpft das Duo, um sich seiner Menagerie miniaturisierter Puppenmenschen anzuschließen. (Steht direkt im Titel)

„Lolita“ (1962)

Das vereitelte Verlangen entpuppt sich als mulmige Komödie, als James Masons Professor Humbert Humbert sein angebliches, altersgemäßes Liebesinteresse und ihre heimlich begehrte minderjährige Tochter mit ins Autokino nimmt. James Masons Humbert hat Sue Lyons „Lolita“ genau dort, wo jeder verschwitzte, lüsterne Teenager sie haben würde, während er genüsslich den panischen Ball von Lolitas Hand akzeptiert, als Christopher Lees furchterregendes Monster in „Frankensteins Fluch“ aus dem Jahr 1957 auf der Leinwand erscheint. Unglücklicherweise für den zwielichtigen Professor kann er seine Fantasie nur ausleben, wenn auf seiner anderen Seite Lolitas dreiste, mittelalte Mutter Shelley Winters sitzt. Masons gemischte Gefühle sind ein meisterhaftes Ballett körperlicher Komik, während Mutter und Tochter sich beide an ihn klammern, um sich zu trösten.

„Diese verdammte Katze!“ (1965)

Es gibt einen tollen Gag in diesem harmlosen und angemessen flauschigen Live-Action-Disney-Film über eine schelmische Katze, die dem FBI-Agenten Dean Jones und dem katzenliebenden einheimischen Mädchen Hayley Mills hilft, eine Entführung zu verhindern. Als Jones (sorry) die titelgebende Siamesin zum örtlichen Autokino verfolgt, flüchtet er bei seinen Versuchen, der Katze zu folgen, zur Vorführkabine des Theaters, wo die Schläge der Katze auf eine streunende Motte schließlich auf die große Leinwand projiziert werden, wodurch sich die Katze dreht Es wird ein Surffilm angeboten, der an einen von Katzen geführten Godzilla-Film erinnert. Fügen Sie ein paar Gags darüber hinzu, dass Jones‘ Verfolgung einen unglücklichen Kinobesucher ein kleines Vermögen aus den 1960er-Jahren durch verspielte Konzessionen kostete, und schon haben Sie eine Disney-ähnliche Sicht auf das, was im Autokino vor sich geht.

„Ziele“ (1968)

Peter Bogdanovichs Regiedebüt postuliert eine sich verändernde Welt, in der selbst die riesigen projizierten Schrecken im Autokino neben der modernen Fähigkeit zu sinnloser Gewalt verblassen. Ein gepflegter, waffenbesessener junger Vietnam-Veteran ermordet in aller Ruhe seine Frau und seine Eltern, bevor er sich auf einen Öltank am Straßenrand in Texas setzt und ebenso leidenschaftslos Autofahrer angreift – bevor er in ein örtliches Autokino flüchtet, um sein nächstes Scharfschützennest aufzubauen . In der Zwischenzeit läuft im selben Kino einer der letzten Filme der Horror-Ikone Byron Orlok (gespielt von der Horror-Ikone Boris Karloff), der es satt hat, dass seine Filme nicht mehr viel Schrecken hervorrufen können. Am Ende handelt es sich um eine Konfrontation zwischen dem alten, einen Stock schwingenden britischen Schreckgespenst der alten Schule und der neuen Generation echter amerikanischer Monster, die schließlich über das Schicksal einer Drive-in-Menge entscheidet, die zusammen mit Orloks grauhaarigem Auto in ihren eingeklemmten Autos kauert Der letzte Spielfilm (eigentlich Karloffs Gothic-Horrorfilm The Terror aus dem Jahr 1963) läuft ohnmächtig im Hintergrund ab.

„Drive-In-Massaker“ (1976)

Stellen Sie sich „Targets“ vor, aber ohne Boris Karloff, Peter Bogdanovich oder irgendjemanden, der auch nur ein Quäntchen Talent oder Vorstellungskraft besitzt, und Sie haben dieses Schnäppchen-Kellerstück von Drive-in-Kost, das seine unumgängliche Prämisse verspielt. Ein Wahnsinniger zerstückelt ein Liebespaar im örtlichen Autokino mit einem Schwert, der hartnäckige Manager weigert sich aus unerklärlichen Gründen, den Tatort mehrerer Morde zu schließen, und die frustrierte Polizei jagt ihnen hinterher, was zu einem Rätsel mit offenem Ausgang führt, das den eigentlichen Autofahrer warnt. im Publikum, dass in Autokinos in ganz Amerika eine Reihe ähnlicher Morde geschehen. Ob dieses ungeschickte Stück Ausbeutung potenzielle Kunden mit seinem lächerlichen Nicht-Ende abschreckte oder nicht, ist heute praktisch vergessen, da der marginale Reiz einer Autovorführung längst durch die einschläfernde Aussicht auf körniges Heimkino ersetzt wurde.

„Drive-In“ (1976)

Im Gegensatz zu einigen anderen auf dieser Liste, die das Autokino als Kulisse für Terror nutzen, handelt dieser harmlose, kaum in Erinnerung gebliebene Autokinofilm aus den 70er Jahren über geile Teenager, die sich zu einer Nacht voller Alkohol, Ausschweifungen und gelegentlichen unfähigen Bandenkämpfen bei Tageslicht treffen Herzhafte, ländlich geprägte Albernheit (Der Titel sagt alles genau.) Klar, es gibt ein paar tollpatschige Diebe, die planen, das geschäftige Alamo Drive-In auszurauben, aber vor allem ist Drive-In die Art wilder Teenie-Komödie, die immer auf der Hut ist für einen neuen Rahmen, in dem seine jugendlichen Helden ihr Unwesen treiben können. In diesem Fall handelt es sich um die Eröffnung eines fiktiven (aber zeitgemäß plausiblen) Katastrophenfilms mit niedrigen Mieten, Disaster '76.

„Fett“ (1978)

„Sandy, mein Liebling, du hast mir wirklich wehgetan“, sagt John Travoltas sitzengelassener Schmierer Danny Zuko während der Spoken-Word-Pause des Liedes „Alone at a Drive-In“ in diesem 70er-Jahre-Klassiker der High-School-Nostalgie der 1950er Jahre. Danny hat nicht unrecht, denn wir haben gerade gesehen, wie Olivia Newton-Johns arroganter Sandy Dannys Erektion in die Autotür knallt, nachdem sie sein ungeschicktes Scharren auf dem Vordersitz zurückgewiesen hatte. Travoltas daraus resultierende Klage über all die tollpatschigen Jungen, die fälschlicherweise glaubten, dass ein Ausflug ins örtliche Autokino eine Einwilligung darstelle, ist eine liebevoll taube Ballade über die Ahnungslosigkeit jugendlicher Männer, alles in der Sprache des verwirrten Verrats formuliert. Während Travolta auf einer einsamen Schaukel sitzt (eine Annehmlichkeit einiger Ihrer eher familienfreundlichen Drive-in-Lokale), markiert Dannys mondäner Schlussruf „Warum? Oh Sandy“, während die ignorierte Kinoleinwand im Hintergrund flackert, einen weiteren Beispiel eines geilen Teenagers, der den Punkt verfehlt.

„Die Außenseiter“ (1983)

In Francis Ford Coppolas elegischer Adaption von SE Hintons Roman wird das örtliche Autokino liebevoll als der Ort nachgebildet, an dem sich die wilden und klassengespaltenen Teenager von 1965 in Tulsa, Oklahoma, treffen. Die Greaser Matt Dillon, C. Thomas Howell und Ralph Macchio schleichen sich aus Mangel an Geld und einem Auto unter den Zaun, während die reichen Mädchen von Diane Lane und Michelle Meyrink aus der protzigen Limousine ihrer geschickten Freunde fliehen, und beide Gruppen sich am Ende unbehaglich das Leben teilen Drive-in-Stand mit staubigen Außensitzen. Dillons Dallas und Lanes Cherry geraten einander sofort an die Gurgel, dank Dallas‘ harten Kerlen, während Howells wachsamer und sensibler Ponyboy nur schwache Einwände gegen die groben Belästigungen seines älteren Idols erheben kann. Währenddessen läuft auf der großen Leinwand das damals aktuelle „Beach Blanket Bingo“ ab, und die harmlosen, blitzsauberen Eskapaden der überalterten „Teenager“-Darsteller scheinen aus einem anderen Universum zu kommen.

„Christine“ (1983)

Schon immer ein Nährboden für die Autotausch-Eifersucht von Teenagern, wird das Autokino zum Schauplatz einer äußerst unwahrscheinlichen Szene aus einer Dreiecksbeziehung und einem versuchten Mord in John Carpenters Adaption von Stephen Kings Roman über das titelgebende dämonische Automobil. Während der zunehmend besessene/besessene Nerd Keith Gordon seine neue Freundin Alexandra Paul beschimpft, weil sie sich über die ganze Aufmerksamkeit beschwert, die er seinem liebevoll restaurierten Plymouth Fury von 1958 schenkt, verdeckt der sintflutartige Regen den geplanten Drive-in-Date-Film „Thank God It's Friday“. Das überwältigende Disco-Drama ist jedoch die geringste Sorge des Paares, da ein Imbissburger bald in Pauls Luftröhre steckt und der verzweifelte Gordon draußen durch die verdächtig verschlossenen Türen des empfindungsfähigen (und eifersüchtigen) Autos gefangen ist. Die Tragödie kann dank des Heimlich-Manövers eines wachsamen Mitbesuchers abgewendet werden, aber nicht bevor Christine ihrem menschlichen Geliebten im Autokino klar macht, wer die wahre Macht hat.

„Pee-wees großes Abenteuer“ (1985)

Nachdem Paul Reubens‘ Pee-wee sein entwendetes Fahrrad erfolgreich durch das Land gejagt hat, feiert er seinen Triumph im Autokino. Alle, die er bei seiner verrückten Verfolgungsjagd kennengelernt hat, in einer feierlichen Kinoparty zusammenzubringen, ist eine perfekte Verkörperung von Pee-Wees schrägem Charme, vor allem, da die letzte Etappe seiner Reise Pee-Wee durch Hinterhöfe Hollywoods führte und seine Lebensgeschichte zu einem zugegebenermaßen stark fiktionalisierten Großformat werden ließ Bildschirmanpassung. Mit einem höflichen James Brolin und dem Overall tragenden Morgan Fairchild, die auf der großen Außenleinwand „Pee-wee“ die Rollen von Reubens‘ verrücktem Protagonisten mit Fliege und der Pee-wee-verrückten Dottie von Elizabeth Daily in einem Stück James-Bond-typischer Ausbeutungsalbernheit erproben Er selbst begrüßt alle seine versammelten neuen Freunde mit einer Menge Zugeständnissen und einem wissenden Kichern.

„Dead End Drive-In“ (1986)

Der anzügliche Reiz des Autokinos wird in diesem schmutzigen Stück post-Mad Max Ozploitation zur Falle. Nach einem gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Zusammenbruch suchen die Teenagerliebhaber Crabs und Carmen Zuflucht im abgelegenen Autokino in der Wüste, nur um langsam zu begreifen, dass die Regierung diese Freiluftkino-Oasen in Internierungslager für die unzufriedenen und immer gefährlicher werdenden Jugendlichen verwandelt hat. Ausgestattet mit reichlich Sex-, Drogen- und Ausbeutungskino (darunter mindestens zwei weitere australische Streifen des Regisseurs dieses Films, Brian Trenchard-Smith), um sie zu beruhigen, erliegen die gefangenen Kinder Exzessen, Machtkämpfen und Rassismus, genau wie die Mächtigen, die das tun zu erwarten, während die jungen Helden versuchen, aus ihrem mit Filmen übersäten Gefängnis auszubrechen. Dead End Drive-In ist eine hinterlistige Gegenreaktion auf die Unterdrückung durch die Regierung und die leicht zu vereinnahmende Jugendrebellion und zeigt, dass Exploitation-Filme an sich keinen Ersatz für eine tatsächliche Revolution darstellen.

„Zurück in die Zukunft Teil III“ (1990)

Inmitten der zeitraubenden Spielereien dieses letzten Teils der „Zurück in die Zukunft“-Reihe suchen Marty von Michael J. Fox und Doc von Christopher Lloyd einen angemessen flachen und verlassenen Landstrich, damit ihr zeitreisender DeLorean die erforderliche Geschwindigkeit von 88 Meilen pro Stunde erreichen kann. Natürlich bietet ein tagsüber verlassenes Autokino im Old-West-Stil genau die Voraussetzungen (und die für die 1950er-Jahre unsensible Einrichtung der amerikanischen Ureinwohner) für diese Aufgabe, wobei Marty gehorsam direkt auf die stille weiße Leinwand saust, auf deren Schürze tobende Indianerkrieger scheinbar gewagt wirken er soll sie durchpflügen. Warum ein rasendes Luxusfahrzeug direkt auf einen stabilen Drive-in-Bildschirm zielen? Stellen Sie keine Fragen, denn der Flusskondensator tut seine Arbeit rechtzeitig, damit der schockierte Marty sich einigen echten Reitern der amerikanischen Ureinwohner von 1885 zu Pferd gegenübersieht.

„Twister“ (1996)

Wie zeigen Sie, dass das große Übel Ihres Films schlimmer ist als das aller anderen? Sie haben es direkt durch das riesige, höhnische Gesicht von Jack Nicholsons Jack Torrance in The Shining gerissen. Zumindest ist das der Eindruck, den Jan de Bonts bombastischer Katastrophenfilm „Twister“ hinterlässt, als der titelgebende Tornado beschließt, die Twister-Verfolger Bill Paxton und Helen Hunt bis zum Tornado Alley Drive-in zu verfolgen, wo sie sich unklugerweise entschieden hatten, die Nacht frei zu nehmen. Während Paxton und Hunt in geübter Alarmbereitschaft den aufziehenden Sturm beschnüffeln, ist es nur eine Frage von Augenblicken, bis Nicholsons Höhepunkt-Razzia durch das Overlook Hotel auf die richtige Größe reduziert wird, während die Zyklonwinde den zerbrechlichen Drive-in-Bildschirm zerreißen, gerade als Torrance dabei ist verkünden: „Hier ist Johnny!“

„The Cider House Rules“ (1996)

In Lasse Hallstroms Oscar-prämierter Adaption von John Irvings umfangreichem Roman lernt der erwachsene, aber behütete Waisenkind Homer Wells (Tobey Maguire) die Herrlichkeiten der Welt außerhalb seines Waisenhauses in Maine kennen, als die hübsche Candy Kendall den Jungen zum örtlichen Autokino mitnimmt. Da es sich um den Zweiten Weltkrieg handelt und Sperrbefehle in Kraft sind, steht das Theater leer, aber Homer und Candy führen immer noch die erwartete Teenager-Rebellion durch und teilen sich handgedrehte Zigaretten inmitten der stillen Lautsprecher und leeren Parkplätze. Während Homer dem verliebten Candy erzählt, dass er Filme liebt, gibt er zu, dass er bisher nur die einzige, heruntergekommene Kopie von King Kong im Waisenhaus gesehen hat, während er auf die unglaublich große Außenleinwand schaut und sich zweifellos den riesigen Affen vorstellt, der in all seiner Pracht projiziert wird . Es folgt ein späterer Ausflug in ein Indoor-Theater, bei dem man sich Wuthering Heights aus dem Jahr 1939 anschaut, auch wenn Homer zugeben muss, dass es kein Kong war.

„Cecil B. Demented“ (2000)

In John Waters‘ typisch geschmackloser Hommage an das geschmacklose Filmemachen wird die verwöhnte Hollywood-Diva Honey Whitlock (Melanie Griffith) von einer niederträchtigen, kunstbesessenen Bande von Filmemachern aus Baltimore unter der Führung von Stephen Dorffs wahnsinnigem Cecil entführt. Nachdem Whitlock während ihrer Zeit in den Fängen der schmutzigen Bande dem Stockholm-Syndrom erlegen ist (der Film ist lose von der Entführung von Waters' Freundin Patricia Hearst inspiriert), beteiligt sie sich schließlich an der filmischen Revolution und sabotiert die Vorführung eines Patch Adams-Directors und die Dreharbeiten einer Forrest-Gump-Fortsetzung, bevor er in einem der letzten verbliebenen Autokinos der Gegend landet, wo es zum Showdown mit den wütenden Polizisten kommt. (Waters nutzte für sein großes Finale das immer noch in Betrieb befindliche Bengies Drive-in Theater in Maryland.) Da die meisten der Crewmitglieder tot oder verwundet sind, darunter auch Cecil, klettert Whitlock auf die Leinwand und, zur Freude der versammelten Fans, die von ihren kriminellen Taten begeistert sind, setzt ihr Haar in Brand und schreit: „Mach gute Filme oder stirb!“ Es ist eine angemessen apokalyptische Botschaft von Baltimores beliebtestem und verrufenstem Filmsohn.

„Psycho Beach Party“ (2000)

Es ist nur passend, dass diese wahnsinnig alberne Mischung aus 60er-Jahre-Strandpartyfilm und Slasher-Streifen im Autokino beginnt. Die einheimischen Surf-Typen und -Mädels versammelten sich, um einen schwarz-weißen Science-Fiction-Film ähnlich wie „Attack of the 50 Foot Woman“ (mit etwas „The Manster“) anzusehen. Sie beschlagen ihre Autoscheiben, würzen Hotdogs und… , im Fall der jungen Amy Adams und Nicholas Brendon von Buffy – Im Bann der Dämonen, flirten sie, indem sie sich unbeholfen mit Eiscremesandwiches die Zunge zerfleischen. Als das unterdrückte brave Mädchen Lauren Ambrose sich zum Imbissstand begibt, um sich ein Wiener Würstchen zu holen, wird ihre Freundin Zeuge, wie ein Slasher einem anderen Kinogänger die Kehle durchschneidet. Das darauffolgende Rockabilly-Thema der All-Luchador-Instrumentalisten Los Straitjackets erwacht zum Leben und deutet gekonnt auf den bevorstehenden hybriden Comic-Nervenkitzel hin .

„Ewiger Sonnenschein des makellosen Geistes“ (2004)

In Michel Gondrys herzzerreißender Geschichte über Liebe und Bedauern (und zweifelhafte Wissenschaft) ist es nur passend, dass eine der wertvollsten Erinnerungen des Protagonisten Joel Barish an seine angespannte Beziehung mit der launenhaften Clementine im Autokino ruht. Oder besser gesagt, außerhalb von einem, während Jim Carreys Joel und Kate Winslets Clementine im Blickfeld einer Leinwand parken, auf der der vergessene Kreaturenfilm „Monster auf dem Campus“ aus dem Jahr 1958 zu sehen ist, wobei das glückliche Paar seinen eigenen, im Mystery Science Theatre 3000-Stil laufenden Ersatz für das Ungehörte bereitstellt Dialog. Als der Science-Fiction-Apparat des Films beginnt, die Szene (und die Leinwand) gemäß Joels inzwischen geänderten Wünschen zu entfernen, drängt er Clementine verzweifelt aus ihrem geparkten Auto, nachdem er sie scheinbar aus der Vergessenheit zurückgeholt hat.

„Die andere Seite des Windes“ (2018)

Das Autokino ist das letzte Ziel der nächtlichen Party rund um den 70. Geburtstag des eigenwilligen Filmregisseurs Jake Hannaford (John Huston), dessen neuester Film nach dem Weggang seines Hauptdarstellers unvollendet geblieben ist. Dies war auch das Schicksal dieses typisch ehrgeizigen und längst unvollendeten Films der eigenwilligen amerikanischen Filmlegende Orson Welles, der nach etwa 48 Jahren in verschiedenen Stadien der Demontage und des Chaos im Jahr 2018 zu etwas zusammengeschustert wurde, das einem fertigen Film ähnelte. Das Ergebnis Der Film ist ein faszinierendes Durcheinander, in dem der herrische Huston Welles in seinem zigarrenkauenden Porträt eines kompromisslosen Regisseurs kanalisiert, der Gläubiger und Hollywood-Falten gleichermaßen bekämpft, während er vergeblich versucht, sein Meisterwerk zu vollenden. Hannafords Film, der selbst den Titel „Die andere Seite des Windes“ trägt, ist Welles' Pastiche des europäischen Arthouse. Seine verlockende Erotik und stumpfe Symbolik erinnern an Antonioni aus der Zabriskie-Point-Ära, den unvollendeten Film, der das Leben schließlich nur noch auf der einsamen (und irgendwie tageslichthellen) Autofahrt sieht. Dort, wo Hannaford in der Nacht zuvor erneut von allen um ihn herum im Stich gelassen worden war. Am Ende des Films spielt sich der Film im Film vor einem einzigen Publikum ab, dem weiblichen Star des Films (gespielt von Oja Kodar, Welles‘ langjähriger Begleiterin), während wir den traurigen Segen des verstorbenen Hannaford über sein zum Scheitern verurteiltes Abschlussprojekt hören .

„Es war einmal in Hollywood“ (2019)

In Quentin Tarantinos verdrehtem Liebesbrief an die Filme wird der unverzichtbare, aber übersehene Stuntman Cliff Booth (Brad Pitt) gezeigt, wie er von den Hollywood Hills zu seinem kargen Zuhause flitzt, das passenderweise am schmuddeligen und vernachlässigten Rand des glitzernden Van Nuys Drive-In liegt . Mit einer Montage von Rock- und Soul-Hits von Billy Stewart über Bob Seger bis hin zu den Village Callers, die den frühen Abendsoundtrack für die Pilgerfahrt des schweigsamen Booth zurück zu seinem abgelegenen Wohnwagenhaus bilden, beobachten wir das ramponierte VW-Cabrio des Stuntmans, wie es in Sichtweite vorbeifährt Die Autos versammelten sich, um eine Doppelvorstellung von „Lady in Cement“ und „Pretty Poison“ zu sehen, und hörten sogar einen Ausschnitt der immerwährenden Drive-in-Intro-Musik „Funky Fanfare“ von Keith Mansfield für zusätzlichen historischen Flair.

„Gruselgeschichten zum Erzählen im Dunkeln“ (2019)

Als ein Trick-or-Treater-Trio 1968 in einem Vorort von Pennsylvania von Schlägern schwingenden Sportlern verfolgt wird, ist der einzige Zufluchtsort, der ihnen einfällt, das örtliche Autokino, in dem zufällig die damalige Drive-in-Serie „Night“ gezeigt wird der lebenden Toten. Das Trio flüchtet in das Auto eines hilfsbereiten, einsamen Teenagers und kann nur darüber nachdenken, ob das schwarz-weiße Zombie-Gemetzel auf dem Bildschirm mehr oder weniger furchterregend ist als der Gedanke an eine Bande rassistischer Tyrannen in Briefumschlägen auf der Pirsch. Glücklicherweise rettet die Drive-In-Etikette den Tag, denn nachdem die Tyrannen das Auto umstellt haben, werden sie durch das genervte Hupen der umstehenden Autofahrer und einen wütenden Kinogänger mit eingeschränkter Sicht verscheucht, der gereizt schreit: „Hey, steigen Sie wieder in Ihr Auto.“ oder verschwinde hier!“